Mình mới viết bài blog về nhạc thành phố (city pop) ở Hàn Quốc, sự hồi sinh của nó hiện nay với các bản cover và ảnh hưởng đến nhạc chính thống hiện đại. Mình biết chủ đề này chưa được khai thác nhiều, nên mình copy nội dung bài blog ở dưới đây để ai muốn tìm hiểu thêm. Nó giống như một bài suy ngẫm không chính thức hơn là một lịch sử toàn diện, nhưng cũng có một số thông tin hữu ích.
Mình thấy nhạc thành phố Hàn Quốc thường bị bỏ qua – nó chưa bao giờ được phổ biến, ngay cả trong thời kỳ hoàng kim, có lẽ chỉ từ năm 1988 (Olympic Seoul, dân chủ hóa, GDP tăng vọt) đến năm 1992 (K-Pop bắt đầu bén rễ và thay thế độ phổ biến của nhạc thành phố). Thật đáng tiếc, vì các nghệ sĩ như Light and Salt, Kim Hyun-chul, và Jang Pil-soon đã tạo ra những bản nhạc tuyệt vời theo ý kiến của mình.
Mình muốn làm sáng tỏ và thảo luận về giai đoạn âm nhạc này vì nhạc thành phố Hàn Quốc khá khác biệt so với nhạc thành phố Nhật Bản, chịu ảnh hưởng nhiều hơn từ nhạc ballad, disco và nhạc thần tượng (so với, ví dụ như, nhạc kỳ lạ exotica của Haruomi Hosono hoặc phong trào Âm nhạc Mới những năm 70) và có thể nói là lo-fi hơn nhạc thành phố Nhật Bản (so với tài năng thu âm của Masayoshi Takanaka). Nó cũng xuất hiện muộn hơn nhiều so với nhạc thành phố Nhật Bản (khoảng năm 1988 so với khoảng năm 1976) và do đó có ít thời gian phát triển tự nhiên hơn, nhưng có lẽ ban đầu đa dạng về âm thanh hơn.
Ngày nay, âm nhạc Hàn Quốc đang chứng kiến sự hồi sinh của phong cách city pop. Một series cover có tên Digging Club Seoul, bắt đầu từ năm 2018, đã có sự tham gia của các nghệ sĩ đương đại thể hiện lại và làm mới các bài hát city pop, và những dấu ấn hình ảnh và âm thanh của city pop đang ảnh hưởng đến mọi thứ, từ K-pop đến các nhà sản xuất indie cho đến nhạc pop thần tượng và R&B. Mình đang tự hỏi liệu có hợp lý khi cho rằng sự hồi sinh của những dấu ấn âm thanh và hình ảnh của city pop là do một nỗi nhớ sâu sắc về một quá khứ tươi sáng được tưởng tượng ra? Người dân Hàn Quốc đang phải đối mặt với những áp lực kinh tế và xã hội rất lớn hiện nay, và giới trẻ Hàn Quốc dường như đang hướng đến thể loại này, mặc dù nó ra đời khi họ có lẽ chưa được sinh ra – tương tự như cách nhạc thành phố Nhật Bản được đón nhận ở phương Tây, mình nghĩ vậy. Có những xu hướng âm nhạc quốc tế hoặc ở phương Tây nào khác nổi lên cùng với nỗi nhớ và khát khao về một quá khứ được tưởng tượng ra không?
Mình cũng nghe nói từ những người bạn ở Hàn Quốc rằng ngày nay, một lượng đáng kể giới trẻ Hàn Quốc đi lại với máy nghe nhạc Walkman cổ điển để nghe những bản hit city pop từ thời kỳ này hoặc nhạc Hàn Quốc. Mình có thể nhầm, nhưng có vẻ như việc thưởng thức nhạc thành phố Nhật Bản hiện đại bị giới hạn ở các đề xuất trên thanh bên YouTube và người hâm mộ của các hãng thu âm như Light in the Attic, nhưng có vẻ như nhạc thành phố ở Hàn Quốc đang được khám phá lại và được sử dụng trong văn hóa chính thống, thậm chí cả những nhóm nhạc K-pop lớn như TXT cũng cover lại những bài hát cũ. Nhạc city pop ở Nhật Bản có đang được khám phá lại và diễn giải lại theo cách tương tự không? Và có ví dụ nào về tính thẩm mỹ hoặc âm nhạc của nó được sử dụng bởi các nghệ sĩ chính thống không? Mình biết các nghệ sĩ như Kirinji hoặc Suchmos được cho là city pop ‘hiện đại’, nhưng có những nhạc sĩ nào cố tình và chủ đích nhìn lại city pop, city idol pop, nhạc kỳ lạ, v.v. để tìm kiếm tính thẩm mỹ/cảm hứng không?
Mình tò mò muốn biết những gì subreddit này biết về những câu hỏi này, nhưng mình cũng rất thích nói về những điều này nên mọi cuộc thảo luận đều được chào đón.
Toàn bộ bài luận được đăng ở dưới đây dành cho những ai quan tâm:
Nếu bạn giống mình, và bạn ít nhất cũng có một chút hứng thú với nhạc R&B và indie Hàn Quốc – và hoạt động Spotify của bạn phản ánh điều này – bạn có thể đã thấy một số bài hát được đề xuất chia sẻ một thẩm mỹ nhất định và một nhãn hiệu chung: “Digging Club Seoul”. Nghe lần đầu tiên, chúng có vẻ khá hiện đại về mặt sản xuất và các nghệ sĩ trình bày chúng, nhưng bản thân giai điệu lại mang tính hoài cổ. Các đoạn luyến láy nhẹ nhàng hơn nhiều so với nhiều bài hát K-pop và K-R&B, như thể để giai điệu đơn giản, dễ chịu dẫn dắt. Và những đường bassline THẬT là mượt mà – bạn cảm thấy giống như đang nghe Suchmos hoặc nhạc nền Persona 5 hơn là các nghệ sĩ đương đại Hàn Quốc như DEAN hoặc Hyukoh (những người cũng rất tuyệt vời).
Bìa đĩa đơn cũng gợi lên một cảm giác hoài niệm hoặc tuổi trẻ đã qua – những bức vẽ về những người trẻ tuổi Hàn Quốc trên nền phố thị neon, rạp chiếu phim ngoài trời, hoặc trong những khoảnh khắc cô đơn ở ngã tư đường, trong khu phố club, hoặc trong những căn hộ chật chội. Chúng được vẽ bằng những đường nét đậm, tràn ngập màu chàm, xanh dương và đỏ. Điểm chung là chiếc tay áo màu trắng ở phía bên trái của mỗi tác phẩm có dòng chữ “Digging Club Seoul”.
Nhân tiện, mình dễ bị cuốn vào việc khám phá những bản nhạc mới (chào mừng đến với blog, các bạn), và hai điều khác mình yêu thích là những chuyến đi hoài niệm và rơi vào những lỗ thỏ trên internet. Và thành thật mà nói, âm nhạc cũng khá hay. Vì vậy, mình quyết định nghiên cứu về “Digging Club Seoul” là gì, điều gì gắn kết các bài hát lại với nhau, và tại sao mặc dù mình chắc chắn chưa từng nghe chúng trước đây (hoặc ít nhất là trước năm 2018, khi những đĩa đơn này được phát hành), mình lại cảm thấy như mình đang ở trong xe hơi của bố mẹ hồi nhỏ, say sưa nghe những bài hát cũ của Hàn Quốc.
City Poppin’ Off
Nguồn gốc của “Digging Club Seoul” bắt đầu từ Nhật Bản (thật bất ngờ!). Điều đầu tiên xuất hiện trong đầu mình là hầu hết các đĩa đơn đầu tiên trong series này nghe giống như nhạc thành phố Hàn Quốc.
Nhạc thành phố là một thể loại phản ánh văn hóa Nhật Bản từ những năm 1970 đến đầu những năm 1990 – với một ngành công nghiệp công nghệ đang phát triển nhanh chóng, tăng trưởng GDP cao mỗi năm và một thời gian rảnh rỗi và tiền tiêu dùng chưa từng có, nhạc thành phố Nhật Bản tương ứng là dễ chịu, tươi sáng và đơn giản nhưng tinh tế. Về mặt lời bài hát, nhạc thành phố cũng khá đơn giản – nó gợi lên hình ảnh về tình yêu tuổi trẻ trong các câu lạc bộ đêm Roppongi, mùa hè ở Okinawa, hoặc lái xe dọc theo đường cao tốc Chirihama Nagisa trên chiếc Toyota Soarer năm 1981 của bạn. Tác phẩm nghệ thuật của Hiroshi Nagai là một hình ảnh tương tự về mặt hình ảnh đối với nhạc thành phố thời kỳ đầu cũng như Monet đối với các tác phẩm của Debussy, với những cây cọ, sàn hồ bơi và phong cảnh bãi biển. Nhiều nhạc sĩ city pop cũng làm việc với các nhà sản xuất quốc tế, và một số người đã sử dụng những nhạc công phòng thu THẬT sự xuất sắc.
Đây là một trong những thể loại mình yêu thích nhất hiện nay vì sự kết hợp giữa sự đơn giản về cấu trúc và tính chuyên nghiệp về âm nhạc, và khả năng luôn ngọt ngào mà không bị sến súa (có thể – và có lẽ là – vì mình nói rất ít tiếng Nhật).
Nhiều người dùng internet có lẽ đã quen thuộc với nhạc thành phố vào thời điểm này. Plastic Love của Mariya Takeuchi gần như là một meme, hơn 30 năm sau khi nó ra mắt, và các bài hát city pop thường được phối lại và sử dụng bởi các nhà sản xuất vaporwave và future funk. Có lẽ ít được biết đến hơn là trong một thời gian ngắn, nhạc thành phố cũng xuất hiện ở Hàn Quốc, cụ thể là vào cuối những năm 1980 và đầu những năm 1990. Mình cảm thấy rằng nhiều tài liệu lịch sử về nhạc pop Hàn Quốc đã bỏ qua thời kỳ đó vì đó là một “mốt” đến rồi đi, vì vậy việc thiếu hiểu biết có lẽ là điều có thể tha thứ được. Điều mình nhận được về lịch sử âm nhạc Hàn Quốc bằng cách đọc lướt qua những tài liệu này là âm nhạc phổ biến về cơ bản là enka trong thời kỳ chiếm đóng của Nhật Bản, sau đó phát triển thành nhạc trot mà ông bà mình đã nghe trong xe hơi, và sau đó (?????), và sau đó BÙM – Seo Taiji đã phát minh ra rap, phê bình xã hội trong âm nhạc và những điệu nhảy sành điệu trên sân khấu, và bây giờ chúng ta có BTS và Blackpink (mình chắc chắn là một chuyên gia về nhạc pop Hàn Quốc nhé).
Vậy nhạc thành phố nằm ở đâu trong dòng nhạc Hàn Quốc? Mình nghĩ rằng độ phổ biến của nhạc thành phố đặc biệt phụ thuộc vào hai điều: điều kiện xã hội và kinh tế của thời đó thuận lợi cho việc tiêu thụ nó. Nhạc thành phố được du nhập vào Hàn Quốc từ Nhật Bản vào thời điểm mà lương tâm xã hội tập trung nhiều hơn vào việc điều hướng xung quanh lệnh giới nghiêm bắt buộc, chứng kiến các cuộc đảo chính quân sự trên bản tin và sự dân chủ hóa đang phát triển mạnh mẽ, hơn là tưởng tượng về Malibu hoặc khi cửa hàng BEAMS mới sẽ mở cửa ở Harajuku.
Kết quả là, những năm hoàng kim của nhạc thành phố Hàn Quốc sẽ muộn hơn một chút. Mình ước tính khoảng thời gian từ năm 1988-1992 là những năm thuận lợi nhất cho sự phổ biến của nhạc thành phố. Thế vận hội Seoul năm 1988 đã giúp đánh dấu thủ đô Hàn Quốc là trung tâm của giới trẻ thành thị sành điệu, và cuộc bầu cử tổng thống của Roh Tae-woo và sự kết thúc của Cộng hòa thứ Năm đã chứng kiến các cải cách dân chủ dẫn đến những tự do cá nhân chưa từng thấy trước đây – những điều kiện xã hội tuyệt vời để nhạc thành phố phát triển mạnh (GDP cũng không tệ). Năm 1992 có lẽ đánh dấu sự suy giảm độ phổ biến của nhạc thành phố, khi những bình luận xã hội mạnh mẽ và sự nổi bật về hình ảnh của K-Pop mới phản ánh tốt hơn tinh thần của thời đó, trong bối cảnh các cuộc biểu tình sinh viên lan rộng và thị hiếu thay đổi của giới trẻ Hàn Quốc.
Digging Clubs…và Ký ức
Trên bàn ăn tối, mình hỏi bố mẹ họ nhớ gì về những năm từ 1988 đến 1992, khi còn là những người trẻ tuổi ở thành phố Seoul. Mắt họ sáng lên.
Bố mình nhớ lại tương lai dường như dễ dàng và tươi sáng như thế nào – dễ dàng học đại học, tìm được một công việc văn phòng tốt và định hình tương lai của mình. Ông ấy nói về việc hầu như không ai trong nhóm tuổi của ông ấy cần làm thêm giờ, và việc nhận được tiền trợ cấp kha khá trong suốt thời gian học đại học là khá phổ biến đối với mọi người. Mẹ mình nhớ lại việc nhận được tiền “sách giáo khoa” mà bà ấy sẽ dùng để đi đến các quán cà phê và câu lạc bộ với bạn bè. Ở đó, họ sẽ nói về những điều tầm thường như việc phẫu thuật chỉnh nha đắt đỏ như thế nào, quán karaoke nào sẽ đến sau đó, hoặc bố mình đã thành lập một câu lạc bộ tiếng Anh ở trường đại học để làm quen với các cô gái – tất cả đều với bầu không khí thoải mái của sự an toàn kinh tế và lạc quan tuổi trẻ ảnh hưởng đến cuộc trò chuyện. Ồ, và âm nhạc – những cái tên như Light and Salt, Yim Jae-bum, Kang Susie và Jang Pil-soon xuất hiện. Bố mình nhớ đã nghe nhạc của ông ấy trên máy nghe nhạc Sony Walkman và đi bộ quanh khuôn viên trường vào những ngày nắng.
Vậy “Digging Club Seoul” có liên quan gì đến tất cả những điều này? Series Digging Club, hóa ra, là một loạt các bản cover của những bài hát từ thời kỳ nhạc thành phố Hàn Quốc đó, do chính những nghệ sĩ đó thể hiện. Được Space Oddity lên ý tưởng và được Quỹ Văn hóa Naver tuyển chọn, lựa chọn và tài trợ, những bản cover này là một phần của dự án ON STAGE 2.0, một chiến dịch “trách nhiệm xã hội” nhằm làm nổi bật những giai điệu thường bị bỏ qua này. Mình đoán một sự tương tự tốt ở phương Tây sẽ là Light in the Attic Records, những người tìm ra những bản ghi khó tìm và các thể loại âm nhạc không rõ ràng. Không giống như LITA, dự án này có sự tham gia của các nghệ sĩ và ban nhạc đương đại thể hiện lại và làm mới các bản hit city pop. Các bài báo khác đã đề cập khá tốt những gì dự án đặt ra, điều mà mình chắc chắn khuyên bạn nên đọc.
Nghe những đĩa đơn, bạn có thể nghe thấy sự khác biệt đáng kể giữa năm đĩa đơn đầu tiên của series, được phát hành vào năm 2018, và năm đĩa đơn thứ hai từ năm 2019. Bản cover “After A Long Time” của George, đĩa đơn đầu tiên của series, nghe khá giống với bản gốc của Kim Hyun-chul (cả hai đều được liên kết bên dưới). Tương tự như vậy, bản cover “You Always” của Daybreak do Mono và bản cover “It’s Beautiful” của Stella Jang do Yoon Soo-il thể hiện nghe rất giống… nhạc thành phố, với phần sản xuất hiện đại, trau chuốt hơn. Đây chủ yếu là những bản tái hiện trung thành theo phong cách đó – và là những bản mình yêu thích nhất – mặc dù các đĩa đơn của Sungwoojunga và Sultans of the Disco là những bản diễn giải hay hơn theo phong cách riêng của các nghệ sĩ (R&B downtempo và funk theo kiểu disco).
Loạt đĩa đơn thứ hai từ năm 2019 giống với các bản của Sultans of the Disco và Sungwoojunga hơn, ở chỗ chúng là những bản diễn giải độc đáo của các bài hát city pop cũ theo phong cách hiện đại. 1415 biến “Don’t Go Babe” của Lee Sangeun, một bản nhạc dance nghe khá lỗi thời với nhiều nhạc synth sến súa, thành một bản nhạc house downtempo, gần như hùng tráng với nhiều trọng lượng, như thể nó có thể khuấy động một câu lạc bộ Gangnam ngày nay và dàn diễn viên của Itaewon Class sẽ cùng nhau xuất hiện và nhảy nhót. Mặc dù có sự khác biệt về âm thanh, nhưng cách diễn giải này cũng có ý nghĩa, vì bản gốc có lẽ đã được phát trong các hộp đêm trong thời gian đó. Se So Neon, một trong những ban nhạc rock Hàn Quốc mình yêu thích nhất hiện nay, cover bản “Cat” dân gian của Towner and Town Chief để kết thúc series. Bạn thậm chí sẽ không biết đó là cùng một bài hát. Thật sự đấy, hãy nghe cả hai và thử tìm bất kỳ điểm tương đồng nào khác ngoài giai điệu.
Những bản nhạc này giống như sự cấy ghép giai điệu và lời bài hát từ các bài hát được cover vào các phong cách riêng của các nghệ sĩ hơn. Với những đĩa đơn này, mình nghĩ mình thích chúng ở mức độ mình thích các nghệ sĩ cover chúng và phong cách của họ. Ví dụ, bản thân mình, người yêu thích K-R&B, chắc chắn nghĩ rằng bản cover “The girl in my memories” của Jeebanoff do Hwang Chi-hoon thể hiện là một tuyệt phẩm.
Dự án này đã được thực hiện từ năm 2018 để tìm ra những viên ngọc quý của nhạc thành phố Hàn Quốc từ thời kỳ hoàng kim của nó, với một bộ đĩa đơn mới dự kiến phát hành vào năm 2020. Kim Hong-ki, giám đốc của Space Oddity, lưu ý nguồn gốc không rõ ràng của Digging Club Seoul: một nhân viên văn phòng đã thường xuyên phát nhạc thành phố Nhật Bản trong văn phòng, lưu ý rằng đó là một xu hướng gần đây, điều này đã thúc đẩy ông ấy nghiên cứu sâu về Hàn Quốc những năm 1980.
Đó là một câu chuyện nguồn gốc đủ thỏa mãn, nhưng điều này đặt ra một câu hỏi cho mình – tại sao bây giờ? Vào năm 2020, gần 30 năm sau khi bắt đầu thời kỳ hoàng kim, tại sao nhạc thành phố Hàn Quốc đang được phục hồi, cover và diễn giải lại – và tại sao nó lại thu hút được nhiều sự chú ý như vậy ngày nay, với những người có lẽ thậm chí còn chưa được sinh ra vào thời điểm đó?
Khát khao một quá khứ Neon
Sau khi suy ngẫm, và trong bối cảnh sự hồi sinh gần đây của nhạc thành phố Nhật Bản, mình nghĩ thực sự có một điều kiện thứ ba cho sự phổ biến của nhạc thành phố – một điều kiện độc quyền từ những điều kiện xã hội và kinh tế thuận lợi. Điều kiện thứ ba, điều có thể giúp giải thích sự phổ biến trở lại của nhạc thành phố, là một cảm giác khao khát lan rộng, đối với một quá khứ đã trải nghiệm hoặc được tưởng tượng ra; một quá khứ đơn giản hơn nhiều, dễ dàng hơn, không có gánh nặng của thế giới và nhiều tương lai không chắc chắn treo trên cổ bạn như một con chim albatross. Mình không cần phải viết một bài luận dài 2.000 từ về những áp lực của kỳ vọng và nền kinh tế đang chậm lại mà giới trẻ Hàn Quốc đang trải qua ngày nay – mình chỉ cần nhìn sang bố mẹ mình bên bàn ăn tối.
“Giờ đây, trẻ em ngày nay khó khăn hơn nhiều,” bố mình nói, ngắn gọn nói lên những gì hàng chục bài xã luận của NYT về “Mặt tối của giáo dục/ngành công nghiệp giải trí/xã hội làm việc của Hàn Quốc” hoặc bất cứ điều gì không thể nói được.
Nhà phê bình âm nhạc Jung Duk-hyun, khi viết về Digging Club Seoul, đồng ý rằng “[bởi vì] thực tế bận rộn và khắc nghiệt ngày nay, mọi người đang cố gắng tìm kiếm sự thoải mái và đạt được sự hài lòng thông qua âm nhạc dường như gợi nhớ lại những ngày tháng hạnh phúc”. Với tất cả những điểm khác biệt về phong cách và sự trung thành, các bài hát của Digging Club chia sẻ dòng chảy ngầm của tuổi trẻ và tự do, gợi lên hình ảnh về tình yêu tuổi trẻ trong các câu lạc bộ đêm Hongdae, mùa hè ở Jeju, hoặc lái xe quanh đảo U trên chiếc xe máy cùng người yêu của bạn. Về những thời điểm đơn giản hơn, ngọt ngào hơn và vô tư hơn.
Có lẽ đó là lý do tại sao bạn có thể thấy những dấu ấn của nhạc thành phố đang hồi sinh trong âm nhạc Hàn Quốc đương đại. Các nhóm nhạc K-Pop như Wonder Girls, CLC và gần đây nhất là TXT đã lấy cảm hứng từ tính thẩm mỹ của nhạc thành phố cho các concept album và cấu trúc bài hát của họ, với TXT gần đây đã diễn giải lại “Fairy of Shampoo” của Light and Salt, một tác phẩm kinh điển của nhạc thành phố năm 1992. Dưới bề mặt của ngành công nghiệp K-Pop, các nhà sản xuất indie như BRONZE đan xen những đường bassline funky, những đoạn guitar sạch sẽ và tiếng trống reverb vào một bản sao hiện đại chính xác của âm thanh city pop. Và các nghệ sĩ solo như Yubin (của Wonder Girls) và YUKIKA gợi lên hình ảnh của thần tượng nữ city pop: một vẻ đẹp thanh tao, trẻ trung với mái tóc bồng bềnh và những bộ trang phục khá sặc sỡ (đó là những năm 80!).
Theo ý kiến của mình, video âm nhạc của NEON nói riêng đã kết hợp quá khứ và hiện tại của nhạc thành phố ở Hàn Quốc một cách quá gọn gàng. Nó theo chân một chàng trai trẻ Hàn Quốc trông buồn bã năm 2019, trong một căn hộ nhỏ tồi tàn và mặc quần áo rách rưới (trẻ em ngày nay thực sự khó khăn), người bật một đĩa nhạc của nghệ sĩ city pop yêu thích của mình, YUKIKA. Anh ấy nhắm mắt lại say sưa thưởng thức khi nghe bài hát. Anh ấy mơ ước được gặp thần tượng của mình cho đến khi, bằng phép màu của MV, họ có một cuộc gặp gỡ tình cờ trên sân thượng. Trong suốt video âm nhạc, một bản ghi âm mờ nhạt của buổi biểu diễn của YUKIKA được phát. Ngày tháng ở góc màn hình ghi: 22 tháng 2 năm 1989.
Rất có thể là mình đang đọc quá nhiều vào một video âm nhạc pop Hàn Quốc, mình phải tưởng tượng rằng sự khao khát của cậu bé dành cho YUKIKA được chuyển đến người xem như một sự khao khát chung hơn đối với một thời gian, một tính thẩm mỹ hoặc một lý tưởng không còn tồn tại nữa. Nó đối lập với một cuộc sống hiện đại ảm đạm với một giấc mơ neon được thực hiện từ lâu. Bạn không cần phải ở Hàn Quốc vào cuối những năm 80, nghe máy nghe nhạc Walkman của mình, để đồng cảm. Bạn có thể là một anh chàng người Canada gốc Hàn 20 tuổi sống ở Vancouver, B.C., người CÓ THỂ đã nghe một số bài hát city pop trong xe hơi của bố mình từ lâu, hiện đang sống trong một hiện tại mà tương lai cảm thấy không chắc chắn và cuộc sống khó khăn để điều hướng. Mình chắc chắn rằng đã có một thời điểm trong cuộc đời của tất cả chúng ta, trẻ hay già, khi mọi thứ dường như dễ dàng hơn, ít đáng sợ hơn, chắc chắn hơn.
Mình nghĩ đây là lý do tại sao, trên bàn ăn tối, khi mình cho bố mình xem MV cover “You Always” của Daybreak thuộc Digging Club Seoul, có máy ghi băng cassette, bóng rổ, giày Air Jordan đen, màn hình CRT phát một video âm nhạc mờ nhạt và một cô gái xinh đẹp đội mũ beret, đang cười, chúng ta đều có thể nói:
“Wow. Giống như mình thực sự đang quay lại thời đó.”
Và, bằng cách nào đó, thực sự có nghĩa là như vậy.
